Fresas Salvajes

UN VIAJE A LA VIDA

Título: Fresas Salvajes
Título original: Smultronstället
Año: 1957
País:  Suecia
Producción:  Allan Ekelund
Director:  Ingmar Bergman
Guión: Ingmar Bergman
Fotografía: Gunnar Fischer (B&W)
Música: Erik Nordgren
Montaje: Oscar Rosander
Reparto: - Victor Sjöström, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Folke Sundquist, Björn Bjelvenstam, Naima Wifstrand, Jullan Kindahl, Max von Sydow, Åke Fridell
Género: Drama
Duración: 91 min

Fresas Salvajes, indaga en lo más profundo del pensamiento, de las emociones y de los sentimientos. Una vez más Ingmar Bergman, nos trae una película intimista que nos hace reflexionar sobre la vida y las relaciones humanas.

Nominada al Oscar por mejor guion original en 1959, Ganadora del Globo de Oro en el mismo año, a la mejor película extranjera; dos nominaciones a los premios BAFTA, ganadora del Oso de Oro y el premio FIRESCI en el festival del Berlín en 1958; entre otros reconocimientos. Ingmar Bergman, en su época simbolista, hace de esta película una de sus mejores obras.

Junto con El Séptimo Sello, Fresas Salvajes marca el comienzo de la mejor etapa del director, que enlazaría numerosas obras maestras hasta finales de los 60. Influenciado claramente por la obra literaria de  Henrik Ibsen y, sobre todo, August Strindberg se introdujo en un mundo donde se manifestaban los grandes temas que tanto lo atraían, cargados de una atmósfera dramática, agobiante y aun desesperanzada.

En busca del tiempo perdido.

Isak Borg, un hombre mayor, frío y egoísta, tiene que acudir a la Universidad de Lund, para recibir un homenaje. Después de un extraño sueño en el que se veía a sí mismo muerto, decide emprender el camino en coche en lugar del avion que tenia reservado. Parte a Lund con su nuera, que tras una discusión con su marido, hijo del protagonista, había abandonado el hogar.

En el camino, se paran en el lugar donde pasaba Isak sus vacaciones en su juventud, lo que le hace recordar a su primer amor, y revivir las historias de su pasado. Allí conocen a un grupo de jóvenes, que se unen a ellos en el viaje. Entre ellos, una joven que le recuerda a la primera chica de la que se enamoró, incluso tiene su mismo nombre.

Finalmente llegan a Lund, y al festejo en su honor. No sin antes haber recordado numerosos capítulos de su pasado, haber reflexionado sobre su vida y haberse dado cuenta de todos sus errores; lo que lo llevan a dar un cambio en su actitud y su personalidad, en su relación con los demás, símbolo de su arrepentimiento. Un viaje de recuerdos y vivencias que le acompañan finalmente hasta la muerte.

El valor de los recuerdos

Con esta obra, el director pretende hacer reflexionar sobre el valor de las cosas, el valor de la experiencia y de las relaciones sociales. Así como el protagonista se descubre a sí mismo, el espectador conoce de primera mano, como y porqué evoluciona el personaje, que errores del pasado le llevaron a ser tal cual es. Y siente lástima al ver, como este hombre, al que le queda poco tiempo de vida, se arrepiente de sus errores. Errores que han influido directamente en la personalidad de su hijo y lo han transformado en un hombre frío y egoísta al igual que el.

El mundo de los sueños, la realidad y el recuerdo, se muestran al mismo nivel en esta película, quedando perfectamente fusionados. Ya desde su título, Fresas Salvajes, nos indica el director ese doble sentido con el que juega el filme, aunque aparentemente no lo percibamos, porque para nosotros no significa nada, para la cultura escandinava, de la que es natural el director, “un lugar de frutos silvestres” esta relacionado con un lugar apartado, un rincón privado que inspira sentimientos positivos, y agradables para una persona. Al igual que en la película, lo es para Isak, esa casa apartada donde pasaba sus vacaciones, esa casa por la que volvió a pasar cincuenta años después, y le inspiró tantos recuerdos privados, tantos momentos que le hicieron reflexionar sobre su vida; su lugar de frutos silvestres, sus fresas salvajes.

Fresas Salvajes, se encuentra dentro de la época simbolista del autor, al igual que El rostro (1958) o El séptimo sello (1957), que igualmente sus personajes se aventuran en viajes que les llevan a conocerse, a auto criticarse y a arrepentirse de quienes son, viajes hacia uno mismo.

Experiencia de Vida

Esta película, que muchos consideran ya un clásico, ha conseguido dejar una importante huella en la trayectoria del director, así como en la filmografía del país.

Con una interesante construcción, libre e inspirada, establece un diálogo y un juego entre realidades, sueños y recuerdos, capaz de seducir al espectador, gracias a una potente y armoniosa arquitectura que definen la vida y la experiencia humana de una manera original a la vez que clara.

Atrapado en el Tiempo

El Día de la Marmota

• Título: Atrapado en el tiempo
• Título original: Groundhog Day
• Año: 1993
• Duración: 101 min.
• País: Estados Unidos
• Director: Harold Ramis
• Guión: Danny Rubin, Harold Ramis (Historia: Danny Rubin)
• Música: George Fenton
• Fotografía: John Bailey
• Reparto: Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliott, Stephen Tobolowsky, Brian Doyle-Murray, Marita Geraghty, Angela Paton, Rick Ducommun, Rick Overton, Michael Shannon
• Productora: Columbia Pictures
• Género: Comedia romántica.

Ganadora de un BAFTA a “Mejor guion” en 1993, y una nominación a “Mejor Guion” en el Circulo de Criticos de Nueva York. Esta comedia romántica, protagonizada por Bill Murray, y dirigida por Harold Ramis, nos narra la historia de un egocéntrico y engreído presentador del tiempo, que se ve obligado a revivir el mismo día, que tanto detesta, una y otra vez.

Aunque con una trama ligeramente predecible, y una historia llena de tópicos, esta película consigue entretener al espectador si hacerle caer en el aburrimiento y haciendose complice de la historia. Nos muestra a un personaje, que durante días, pasa por casi todos los estados que cabe esperar de esta situación.

¿El Día de la Marmota?

El Día de la Marmota, aunque pueda parecer un evento creado por el guionista y una situación, tal vez cómica y un poco surrealista; es una realidad en este pequeño pueblo de Estados Unidos. Todos los años desde 1887, el 2 de Febrero se celebra este día, y cientos de personas se agolpan en el pueblo de Punxsutawney para ver salir a la marmota Phil de su madriguera y conocer si el invierno esta acabando o si le quedan seis semanas más.

Pero no solo en este pueblo es tradición observar el comportamiento animal para predecir el fin del invierno. Sino, que este es un método folclórico utilizado por los granjeros de Estados Unidos y Canadá, que se remonta además a tradiciones Irlandesas y sobre todo a las costumbres de los granjeros Alemanes que hacían esta misma observación con los tejones.

Sin embargo, en Punxsutawney (Pensilvania), esta fiesta de costumbre tradicional, se hizo más popular, a raíz de la realización en 1993 de la película que nos atañe, por lo que miles de turistas acuden a la localidad todos los años en esta fecha tan señalada.

Con todos ustedes... El Dia de la Marmota

Phil Connors, el hombre del tiempo de una cadena de televisión, visita el pueblo de Punxsutawney, junto con un cámara y su redactora, Rita, para cubrir el evento de la celebración del Día de la Marmota, que tiene lugar todos los 2 de Febrero en esta localidad. Deseoso de abandonar el pueblo, y volver a casa, se ven obligados a regresar a Punxsutawney al encontrar las carreteras cortadas por la inesperada ventisca.

A la mañana siguiente, tal es la sorpresa, que Phil se ve obligado a revivir el mismo día siendo él, la única persona consciente de este hecho. Este día se repite una y otra vez, haciendo al personaje evolucionar y pasar por diversos estados.

Comenzando con la negación, el señor Connors asume la situación e intenta aprovecharse de ella, intenta además, acostarse con su redactora Rita, aprendiendo artimañas para conquistarla a base de ensayo y error. Cae en la desesperación, al ver que no tiene ningún sentido continuar ese ciclo eternamente, y se suicida dia tras dia sin obtener resultado. Trata de hacer buenas obras de caridad. Aprovecha este ciclo eterno para mejorar y aprender nuevas habilidades. Pero, el ciclo continúa, hasta que Bill, cambia sus valores, cambia su forma de actuar y se convierte en mejor persona. Consigue que Rita se enamore de el y el pueblo entero lo conozca como una persona destacable, es entonces cuando al despertar, por fin es 3 de Febrero, aunque para Rita, el amor que le procesa a Bill, comenzó tan solo el día anterior, mientras que esté, ya llevaba enamorado de ella una temporada.

Hoy y Mañana, El Día de la Marmota

Esta película, además de ser divertida y entretenida trata de edificar a la sociedad en valores humanos. Nos enseña como las personas, han de ser más humildes y generosos con los demás, que el egoísta y el aprovechado, no encuentra más que infelicidad en su vida. Y además, enseña a ser sincero y honesto con uno mismo y con los demás.

La clave del éxito de esta obra está en la originalidad de su forma cíclica y  el ritmo narrativo, correcto, sin desesperar a pesar de su carácter reiterativo, gracias, además, al tono de humor que mantiene toda la historia, y las pinceladas de dramatismo que incluye su trama.

No son pocas las obras que transmiten este tipo de valores. Ya desde niños, las películas infantiles nos enseñan a valorar a los demás, a aceptar la realidad y a ser humildes. Fuerzas superiores, que enseñan lecciones de humanidad a los protagonistas de películas variadas como Click o Como Dios o incluso La Mascara.

Atrapado en el tiempo, plantea también una crítica sobre la rutina, que en 1998, Peter Weir plasmará en su película El Show de Truman, Película que fue muy positivamente valorada por la crítica. Nominada a varios Oscar y ganadora de tres premios BAFTA y tres Globos de Oro.

El carácter cíclico y la condena a revivir una y otra vez el mismo día, hace recordar al personaje representado por Drew Barrymore en su película 50 primeras citas (2004), en la que una chica, no tiene ningún recuerdo anterior al día que sufrió un fatídico accidente, por lo que todos los que la rodean, no tienen más que resignarse, y saber que cualquier cosa que hagan, al día siguiente no lo recordará. Con esta premisa parte esta película, en la que el protagonista, encarnado por Adam Sandler, se enamora de la chica y lucha día a día por hacerla feliz, y ayudarla a continuar con su vida junto a el.

¿Ahora que?, ¿El Día de la Marmota?

Atrapado en el tiempo, condenado a revivir eternamente, a menos que decida cambiar su forma de ser, de vivir y de tratar a los demás. Una película, cuyas críticas en el año de su estreno, la encajaban entre lo bueno y lo aceptable, aunque por muchos considerada infravalorada.

Una pieza que a pesar de ser ciertamente predecible, consigue enganchar al espectador creando cierta complicidad con el protagonista. Y que al finalizar, nos hace parecer extraños, y nos deja desamparados con la incertidumbre del “qué ocurrirá ahora”, al comprobar que el día ha pasado y la vida sigue el 3 de Febrero, un día del que no conocemos nada, salvo que sigue nevando y que todo continúa normalmente.

12 Años de Esclavitud

PACIENCIA Y VALENTÍA POR LA LIBERTAD

Titulo: 12 años de esclavitud

Título original: 12 years as a slave (Twelve years as a slave)
Año: 2013
País: USA (Estados Unidos)
Producción: Plan B, Fox Searchlight
Director: Steve McQueen
Guión: John Ridley (basado en 12 years as a slave, biografía de Solomon Northup)
Fotografía: Sean Bobbitt
Música: Hans Zimmer
Montaje: Joe Walker
Reparto: Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Brad Pitt, Benedict Cumberbatch, Paul Dano, Paul Giamatti, Sarah Paulson y Lupita Nyong’o
Género: drama, histórico, biográfico (basado en hechos reales)
Duración: 133 min

Desgraciadamente, la historia que aquí se desarrolla, no nace de la ficción, sino que está basada en una historia real, la de Solomon Northup, que escribió sus memorias y se recogieron en el libro “Doce Años de Esclavitud” (1853). En poco tiempo se vendieron treinta mil ejemplares y fue varias veces reimpreso durante el siglo XIX, especialmente durante la Guerra de Secesión. Solomon, se convirtió estos años en un activo defensor de la abolición contra la esclavitud en Estados Unidos.

Esta película, Dirigida por Steve McQueen, consagra al director británico en el tercer largometraje de su carrera, obteniendo el Oscar a “Mejor Película” de 2013, además de “Mejor guion adaptado” y “Mejor actriz secundaria” para Lupita Nyong'o. Una serie de galardones, que hacen notar que estamos ante una obra ejemplar, que incluso ha sido sugerida, junto con el libro de Solomon, por el presidente de los Estados Unidos como material didáctico en los colegios del país, por los valores que transmite y las enseñanzas sobre la historia de EEUU que refleja, que consideran, que debería ser conocida por todos los ciudadanos.

UNA ÉPOCA DE TENSIÓN.

1850, año en el que se desarrolla la película. Una época trágica en la historia de Estados Unidos. Un país que se encontraba dividido en dos, el norte y el sur, y cuyas diferencias ideológicas desembocaron en una guerra civil que tuvo lugar entre los años 1861 y 1865, que marcó a sus ciudadanos durante los años siguientes y que aún recuerdan con respeto.

En estos años, el potencial económico del país residía en las cosechas de algodón entre otros, y en la costa sur del país se criaban y producían esclavos para vender a la parte interior sureña de Estados Unidos, como mano de obra. Pero no todos los ciudadanos sureños poseían esclavos, sólo los de más alto estatus; sin embargo el resto de la población sureña y más humilde, apoyaba igualmente la esclavitud ya que la liberación de esclavos crearía más competencia en los puestos de trabajo, llevándolos a la miseria.

Por otro lado, en la sección norte del país, económica e industrialmente más avanzada,  ya estaba instaurado un sentimiento antiesclavista que hacía bastante ruido, donde los ciudadanos afroamericanos, eran libres y tenían trabajo y derechos. Decían en el Norte, que el sur no avanzaba a la misma velocidad a causa de la esclavitud. El sistema esclavista, fue una de las chispas que hizo estallar la Guerra de Secesión, aunque no la única.

SOBREVIVIR A TODA COSTA.

12 Años de Esclavitud, nos narra la historia de Solomon Northup, un ciudadano libre de la ciudad de Nueva York, dedicado a la música, que es secuestrado por unos esclavistas en 1841, tras acudir a una entrevista de trabajo en Washington.

Durante su periodo de esclavo, le cambian el nombre para no dejar rastro de su vida como ciudadano libre, y tiene diferentes amos, a los que trata ganarse con su buen hacer en las tareas que le encomiendan y sus buenos modales. Sin desvelar a estos su condición de hombre libre y educado, soporta los latigazos, los malos tratos y el trabajo duro, con la finalidad de mantenerse vivo y esperar al momento ideal para volver a ser libre y poder reunirse de nuevo con su familia.

Finalmente, sus esfuerzos dan resultados, y durante su estancia con el que puede ser el amo más tirano que hubiera tenido, conoce a un joven del norte, empleado de este que defiende la libertad de los esclavos y que le ayuda a demostrar su condición de ciudadano libre y por fin liberarse de las ataduras de la esclavitud y volver a encontrarse con su familia, doce años después.

UNA HISTORIA DE OBJETIVOS.

La película que hoy analizamos, persigue el objetivo claro de conmover al espectador y despertar en él un sentimiento de empatía y sensibilidad hacia los esclavos de la época y el rechazo hacia cualquier sociedad esclavista de la historia. Además, su objetivo principal, es instruir a la ciudadanía sobre una etapa de la historia de Estados Unidos, muy delicada y atroz, que muy pocas veces se había contado con tanta transparencia. La esclavitud forma parte de la memoria histórica del país, pero podemos rastrear sus huellas hasta nuestros días ya que el debate en torno al racismo y la xenofobia aún sigue latente en la actualidad.

Cabe destacar la ambientación de la película, muy bien cuidada, con detalles y escenarios magníficos, reflejo del elevado presupuesto con el que ha contado en su producción ($20.000.000). Además, hay que resaltar al elenco de actores con el que ha contado, tales como Michael Fassbender, Benedict Cumberbatch, Paul Giamatti o Brad Pitt (además productor de la película), y entre de los cuales Chiwetel Ejiofor (protagonista) y Lupita Niyong’o interpretan sus papeles de una manera brillante, natural y verosímil digna de reconocer. Tal es el caso, que Lupita, recibió el Oscar a mejor actriz secundaria por su actuación en esta película. Su forma de interpretar al personaje, la fuerza y sentimiento que logra transmitir hacen de esta actriz de 31 años, hasta ahora casi desconocida, una gran apuesta para la industria cinematográfica en la actualidad.

La obra, se adentra en el drama humano y nos narra una vida de superación personal, de entereza y de voluntad y valentía por parte de Solomon. Hace una crítica histórica y humana que muestra de manera clara sentimientos como el miedo, la esperanza y la desesperanza, el odio o la ira.

El modo en que está contada la historia es un importante punto fuerte de esta película. McQueen consigue hacer al espectador bailar su son, sin desesperarse ni dejarse nada en el tintero. El inicio in media res, que plantea intriga desde el principio y nos hace pensar desde el primer momento de la película; el uso de elipsis y flashbacks, que aceleran el ritmo de la película, pero discretamente empleados para que no resulten traumáticos en el entendimiento de la trama; y como algunas escenas se recrean en sí mismas, ralentizando el ritmo de la narración; hace que el director juegue a su antojo con el espectador sin apenas darnos cuenta.

ESCLAVITUD Y RACISMO A GRANDES DOSIS.

El racismo, la esclavitud, la autosuperación, el valor, la esperanza y la valentía, son aspectos que ya antes se habían tratado en la historia del cine, aunque cada cual a su manera. Ya Ridley Scott en Gladiator nos hablaba de la auto superación, de la perseverancia y la esperanza de un soldado romano de alto rango, cuya vida, de hombre libre, le es arrebatada y al igual que Solomon Northup espera pacientemente a que llegue su momento para liberarse de sus cadenas.  

Tarantino, en 2012, también se centra en la misma etapa de la historia de Estados Unidos que 12 años de esclavitud, en su película Django desencadenado que se desarrolla en Texas en 1858, dos años antes de la Guerra de Secesión. Y nos muestra el tema de la esclavitud aunque con un enfoque diferente, más del estilo de  Tarantino. Por otro lado, en 1985, El Color Púrpura, del director Steven Spielberg, hace también una dura crítica hacia el racismo y el maltrato y  muestra la historia de una chica Afroamericana, que a principios del siglo XX, es vendida por su padre a un hombre que la maltrata tanto física como psicológicamente y que la tiene esclavizada 30 años de su vida.

Pero entre una larga lista de películas dedicadas a esta época y esta temática, no podemos dejar atrás a Tate Taylor, con su pelicula Criadas y Señoras. La historia de una joven sureña, que regresa en los años 60 a Mississippi, al finalizar la universidad y decide entrevistar a las mujeres negras que se han pasado la vida al servicio de las grandes familias sufriendo todas las formas de discriminación racial.

Todos estos, no son más que ejemplos de como otros directores han tratado de un modo u otro esta misma temática, y aunque son excelentes películas las que se han nombrado, ninguna de ellas ha tratado el tema tan intrínsecamente y con tanta transparencia como lo ha hecho Steve McQueen.

UN CLÁSICO DEL FUTURO.

Una película dramática y de una claridad indiscutible, que muestra sin tapujos la brutalidad de una sociedad y de una época que marcó la historia de un país que ahora es primera potencia mundial.

La historia real de un hombre libre, al que le arrebataron su vida, y que se vio obligado a vivir 12 años una vida que no es la suya, luchando y aguantando por sobrevivir, para algún día poder demostrar su libertad y volver con su familia.

Una adaptación de la biografía de un hombre, que aunque a día de hoy parezca increíble, sufrió injustamente a manos de un sistema esclavista, que se dedicaba a cosificar la vida humana, y convertir en material de cambio y en objetos, a personas nobles e inocentes como si de maquinaria se tratase. Una película que a día de hoy, se ha incluido como material didáctico en colegios Estadounidenses para dar a conocer la barbarie que tiempo atrás vivió el país. Y que sin duda, se convertirá con los años en una pieza clásica de la historia del cine.

Caché

Desgarradora e Intrigante

Una de los rasgos que caracterizan a Michael Haneke, es su estilo sombrío y turbador, sus finales inconclusos, o dejados al entendimiento del buen espectador y su compromiso, en sus temáticas, con la sociedad del momento. Y Caché no podría ser menos. Ganador del premio a mejor director por esta obra en el Festival de Cannes 2005, entre otros premios obtenidos por esta misma película, Haneke comienza su buena racha de éxitos que le dan a conocer cada vez más, siendo hoy en día uno de los directores Europeos más aclamados.

En una Francia, marcada por las diferencias sociales y un claro rechazo hacia el extranjero; y conmovida este mismo año por la ola de violencia que asoló los barrios periféricos de la capital, en la que estaban involucrados centenas de inmigrantes y de agentes policiales. Este filme, llega cargado de preguntas y planteamientos que hacer al espectador. No pretende ser una película de éxito comercial sino plantear problemas y hacer pensar al espectador.

Caché, nos narra la historia de una familia, Georges y Anne Laurent y su hijo Pierrot, a los cuales, un desconocido envía unos misteriosos videos con filmaciones de la puerta de su casa, que se suceden de otros, igual de inquietantes, que parecen transmitir algún tipo de mensaje a la familia el cual tratan de descifrar. Georges, sospecha de un hombre de procedencia extranjera, al que no ve desde que eran pequeños y que por una serie de acontecimientos de niños y su rechazo cuando tenían seis años le hacen pensar que podría tener algo que recriminarle. Estos hechos comienzan a romper poco a poco la familia, creando una sensación de desconfianza entre ellos y de miedo en general hacia lo ajeno.

Cargada de mensajes, y de propuestas de planteamientos éticos al espectador, esta película no pasa indiferente. El director logra hacer reflexionar sobre la sociedad francesa y la sociedad occidental en general y la diferencia de clases; la discriminación racial, la incomunicación, los valores familiares y la confianza; y el sistema educativo. No deja títere con cabeza en lo que a compromiso social se refiere. Pero es que, no solo hace reflexionar sobre todo esto, sino que además, deja a la moralidad de cada uno decidir sobre el resultado de los problemas que plantea. Crea en el espectador un sentimiento de intriga, de malestar por el desconocimiento; y el ritmo pausado y progresivo con el que se desarrolla la película contrasta con el desgarro de emociones que puede provocar un suicidio de la forma en que esta expuesto, o las pesadillas que tiene el protagonista.

Aunque esta película, no es precisamente destacable por sus logros técnicos, cabe destacar lo llamativo de la narración; la intercalación de planos de la historia con los planos de los videos recibidos por los protagonistas, a veces imposible de diferenciar unos de otros durante el transcurso de la película, a menos que la cinta sea comentada por estos o rebobinada o adelantada situándonos en la historia. Además, un dato curioso, es que esta fue la primera película de Haneke rodada con cámaras de video de alta definición. Una manera de narrar la historia, muy acertada para el mensaje que pretende transmitir; mensaje que no llama la atención por su originalidad, lo cual hace a esta película y este modo de narración aún más llamativo.

Ya en 1997, Haneke, hacía una película de similar temática, basada en la introducción de una discordancia o fuerza malévola en la vida acomodada de una familia de clase social alta, llamada Juegos Divertidos. También la incomunicación, es tratada por Haneke en El video de Benny en 1992. Y en estos años y los posteriores, la discriminación social, las diferencias de clases y el rechazo al extranjero, son una temática muy recurrida para los autores europeos, que podemos apreciar por ejemplo en películas como La Clase (2008), o Vete y Vive (2005).

En cuanto a interpretación, ninguno de los actores destaca por una interpretación brillante, ya que los personajes no tienen ningún rasgo que los caracterice lo suficiente como para hacerse notar. Sin embargo, es destacable la actuación Daniel Auteuil en el papel de Georges Laurent, por su evolución y su desarrollo del personaje a lo largo de la película.

Fiel a su estilo y sus obsesiones, el director Austriaco apuesta de nuevo por una temática conmovedora para la sociedad y lo hace de una forma desgarradora e impactante que no deja aliento a quienes ven la película. Además consigue mantener su película en las mentes de los espectadores más allá de las puertas de la sala o de la comodidad de sus sofás.

FICHA TÉCNICA:

Dirección	Michael Haneke.
Producción	Veit Heiduschka.
Guión	Michael Haneke.
Fotografía	Christian Berger.
Montaje	Michael Hudecek, Nadine Muse.
Intérpretes	Daniel Auteuil, Juliette Binoche. Maurice Bénichou, Walid Afkir
País	Austria, Francia, Alemania e Italia
Género	Thriller
Año	2005.
Duración	118 minutos.
Distribución	Artificial Eye Sony Pictures Classics
Estudio	France 3 Cinéma Canal+ Bavaria Film Wega Film
Presupuesto	€8,000,000 (estimado)